soley bernal pone su garra sobre La reina

El director Stephen Frears, logra abofetear a la monarquía con guate de seda, en la película La Reina (The Queen) haciendo una película equilibrada sobre la observación humana y reflexiva de la reina Isabel II (Helen Mirren) y su familia, tras la muerte de la princesa Diana.

La película expone sin caer en una burda denuncia, el deterioro de la monarquía sin arrojar con violencia el mensaje sobre la audiencia. El hecho clave es la importancia de Diana “La Princiesa del Pueblo”, que es honrada por la gente sin ser de línea o sangre real directa, esto lo dice todo.

Entonces la cinta se adereza en un fuerte discurso entre líneas, con un guión complaciente, con mensajes visuales e icónicos que dicen mucho más de lo que parece, un director con buen pulso que logra desnudar la vida intima de una reina actual; (porque sería fácil hacer este tipo de filme cuando el protagonista en cuestión yace en su tumba).

Excelente es la radiografía de lo espinoso del poder y su manejo dentro del protocolo real en un tiempo moderno, donde la monarquía se refugia en una burbuja, mientras su primer ministro se entiende de gobernar, lo que enfrenta a Isabel II a la cruda realidad de que las cosas no son como antes, iniciando la cinta con la frase, “Nunca deja de pensar la cabeza que lleva una corona”.
La escena para recordar sería la caminata de la reina frente al palacio de Bukinham, donde ve las flores y lee los fuertes mensajes puestos a la puerta, por razón de Diana. En otros tiempos un insulto al rey significaría perder la cabeza, pero ahí la reina solo puede ignorar el insulto voltear y sonreír a su pueblo.

El lunar del filme es la escogencia de Michael Sheen (Tony Blair), el personaje le superaba y Alex Jennings (príncipe Carlos).

Jürgen Ureña garrea con Lejos del Mundo

Junio de 1940 en las afueras de París: miles de familias huyen de la capital francesa ante el asedio del ejército alemán. Los aviones lanzan su carga explosiva sobre la fila interminable de vidas sin aliento ni refugio. El inicio intenso de Lejos del Mundo sugiere un desarrollo que, sin embargo, no ocurre. Una joven madre huye junto a sus dos hijos y se interna en un bosque de apariencia paradisíaca. Yvan, un decidido muchacho, los ayuda a escapar. La película Lejos del mundo (se exhibe en la Sala Garbo) es mirada contemplativa que indaga en el fondo de nuestras convicciones sociales. Es cuestionamiento sin estridencias ni alardes. Es esperanza de que, al menos de manera fugaz, sea posible la construcción de un espacio proclive a los afectos, al entendimiento y la sensualidad. (Texto completo en Áncora del domingo 25 de feb.).

Dreamgirls en las garras de Harold Quesada

Creo que William ha decidido puntuar muy bajo esta producción, que, aunque estamos claros no es merecedora de los mas altos honores (nadie dijo Oscar),un 7 la menosprecia.Es cierto aquello de mirar por los cristales. Si hay un reflejo de la realidad social de las diferentes épocas por las que avanza la pelicula, marcadas más por el ritmo musical que interpretan las cantantes, que por el calendario. Pero al igual que otros musicales, estos temas sociales son pinceladas para ubicar contextos y no para profundizar en ellos.Sino, por ejemplo " Chicago" habría fallado por no profundizar en el tema la mafia que dominaba la policía, los chantajes en el sistema carcelario y judicial o el amarillismo de la prensa de la época. O " Rent", por no hablar de las crisis de los jóvenes en ciudades cosmopolitas, como las drogas, la delicuencia y la represión de la autoridad(aunque esta cinta si falló en miles otras cosas).No hay duda que Dreamgirls es algo larga...y con 2 ó 3 canciones menos estaría en su punto. Jennifer Hudson tiene un registro vocal maravilloso, pero tanto sufrimiento en su interpretaciones llega a cansar. Pero sus aspectos técnicos (la mayoría de sus nominaciones), son impecables y su música digna de ser comprada en cd.Pero, es un 7 injusto. Yo diría 9... y la dejamos en 8!

“Cartas desde Iwo Jima” leídas por wílliam

Cartas desde Iwo Jima es exactamente lo que la magistral actuación de Ken Watanabe dice. La fuerza del filme es la de este actor. El sentimiento del filme es el de este actor. Por otro lado, con el personaje del general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe), el filme logra extender al espectador la importancia de las voces, los silencios, los gestos, los sufrimientos, las debilidades y las heroicidades de los soldados japoneses, tan de carne y hueso como los estadounidenses. Aunque nunca hacemos crítica comparada (una película ante otra), si pensamos que este filme es superior al anterior de Eastwood: La conquista del honor (2006). El concepto, diseño, estructura y escenificación de Cartas desde Iwo Jima son clásicos. Tal vez no sea la obra perfecta que quisiéramos todos, por culpa de vacíos narrativos, reiteraciones injustificadas en la trama y por trampas sentimentales; sin embargo, este filme es necesario, por veraz, por aleccionador y por sus virtudes artísticas.

wílliam con garras Lejos del Mundo

Lejos del mundo (2003), del francés André Techiné. Se inicia con la invasión alemana a París (con tomas de documentales). Vemos cómo los parisinos huyen de bombardeos indiscriminados, entre ellos una joven madre, de nombre Odile. Al huir, ella protege a sus hijos: un muchachito y una niña. Los fugitivos son ametrallados por aviones alemanes. Un joven rapado, de 17 años de edad, llega a auxiliarlos. Se llama Yvan. Se encontrarán con una casa abandonada donde se refugiarán. La casa, oculta en el bosque, se convierte en lugar arcádico, mientras la realidad es cruda fuera de ahí. Las emociones surgen distintas en los personajes y se mutan sentimientos como la amistad, el cariño y la lealtad. En la joven madre, aflora la pasión reprimida desde la muerte de su esposo en la guerra. En esa casa solo existe un tiempo: el de sus habitantes; solo hay una soledad: la de los cuatro personajes; solo hay una amistad: la de todos; y solo hay un sexo: entre Odile e Yvan, lo vemos en acabadísima secuencia. Techiné se ofrece como director muy consciente de su arte, de ahí el sentido intimista que le impregna a la trama poco a poco, de ahí su juego entre lo lírico y lo dramático, entre lo apacible y lo trágico. Eso, más la extraordinaria actuación de Emmanuelle Béart.

Garras de wílliam venegas sobre “Soñadoras”

Soñadoras (2006): historia de un grupo musical femenino y negro en época turbulenta, los años 60, cuando muchos negros luchaban por terminar con cualquier discriminación racial en Estados Unidos. Del canto como texto y de lo racial como contexto es de lo que trata la película, del guionista y director británico Bill Condon. A partir de aquí, el guion muestra cómo algunos negros se esforzaban porque su música sonara bien a los oídos de los blancos. Tremenda contradicción: “blanquear” la música para hacerla más vendible, mientras Luther King y otros luchaban por la igualdad. Este asunto da aliento para un filme vitalista, pero no sucede así: en este musical no hay mayor profundización de personajes y en las actuaciones solo destacan Jennifer Hudson, con su voz portentosa y mímica al cantar, y la presencia revitalizada de Eddie Murphy. La fotografía sí es soberbia. Estamos ante un musical hecho para vitrinas llevado al exceso o hartazgo. No se le quita ese sabor “light”, tan de moda en el cine hollywoodense.

Hárold Quesada escribe de Diamante de sangre

Las cintas de denuncia, si no quieren ser catalogadas como documentales, deben estar matizadas por algo de acción. En esta ocasión nos damos cuenta de la cruel guerra civil que aconteció en Sierra Leona, África, y como de esa barbarie, se beneficia una serie de comerciantes, en este caso, de diamantes, sin importar las vidas que se están perdiendo por ello. Fuera de tal contenido de denuncia, la película esta cargada de adrenalina. Hounsou hace un excelente papel. Di Caprio hace de las suyas, pero jamás como para ser nominado a un Oscar (¿?). Lo único que podemos tildar de negativo es que es un poco extensa. Buen entretenimiento. Calificación 9. // Si usted quiere leer esta crítica completa haga clic a la derecha en el contacto Tia Zelmira Cine

Garras de Tsotsi en wílliam venegas

“Tsotsi” es película de profundo poder emocional: toca las fibras más humanas de la sensibilidad del espectador, excepto la de los neoliberales, quienes creen en la selección natural darwiniana llevada al plano social. El filme explora en una caja pandórica, caja de males; sin embargo, al igual, da campo a la esperanza. La película viene de una cinematografía desconocida para nosotros: la sudafricana, y ganó el Oscar 2006 a mejor cinta extranjera. Su historia (cruda) cuenta con el subrayado de la música kwaito del lugar (Johannesburgo) y ayuda a los tintes poéticos que asume el filme dentro de su realismo con llagas. Filmada con rigor y sin mayores afanes formales, Tsotsi es película que nos interroga más allá de su exhibición.

Pepe asume “garraear” con Tsotsi

José Martín Suleimán, crítica de Tsotsi:

Barrios, favelas y guetos son el sótano del mundo donde la vida es tan trivial como una tirada de dados y tan incierta como la mañana siguiente. La tierra es parte del aire, fangoso, como tardes rojas de final de día, así se vive ahí, en un cotidiano final de vida. En este entorno se desarrolla una historia de contrastes. Es la historia de Tsotsi, criminal de arrabal con sensibilidad de colono. Así se dan los elementos más interesantes de la película, la lucha psicológica del personaje por la comprensión del mundo y después, de su mundo.

Mario Giacomelli en garra con el Fauno (El laberinto del fauno)

La trama es original, en su deslumbrante forma de enlazar dos universos paralelos: un mundo real, cargado de horrores auténticos, de tortura y degradación del ser humano, donde se levanta una contundente denuncia a la opresión fascista; y una dimensión onírica, inquietante y tenebrosa, donde sin embargo, cabe espacio para la esperanza. Es un filme perturbador y a la vez mágico: un triunfo creativo, que dejará su propia huella en los anales del cine fantástico. (Mario Giacomelli escribe para La República todos los jueves).

wílliam venegas “garrea” con “El Descanso”

El Descanso: Su trama es la de tantas y tontas comedias románticas de Hollywood: sin originalidad, repleta de lugares comunes y con un final tan previsible como el huevo de gallina puesto ¡por una gallina! Este filme arranca cuando Amanda e Iris se encuentran en un punto de la red cibernética. A ambas les está yendo mal con sus novios, por lo que cada una busca la ruptura. Iris, inglesa, y Amanda, californiana, intercambian casas y encuentran nuevos romances. Este filme pasa por ¡algunos! buenos diálogos, tiene la firme presencia de un querido y viejo actor, Eli Wallach, y se muestran Jude Law y Kate Winslet, quienes no son precisamente comediantes y logran cálidas actuaciones. Cameron Díaz y Jack Black se quedan cortos. Aunque el argumento sucede en Navidad y en Año Nuevo, el filme se escapa de los dulcetes con que Hollywood retrata esas épocas tradicionalmente. Hay que agradecerle a Nancy Meyers este gesto, y a Hans Zimmer y a Dean Cundey, de música y fotografía respectivamente.
De 1 a 10, un 5 de calificación.

Mario Giacomelli en garras con Diamante de Sangre

“Diamante de sangre” es una multimillonaria producción hollywoodense, que no puede ocultar su naturaleza comercial, por más que lo intente. Sus metas son claras y respetables: ofrecer un entretenimiento de alto impacto y, a la vez, concientizar acerca de las atrocidades que se han estado cometiendo en África, por razones que deberían avergonzar al mundo occidental. Dirigida con destreza por Edward Zwick, amenizada por el divo Leonardo di Caprio y un elenco atractivo, la cinta cumple a cabalidad con su doble propósito, concretando una ruda aventura africana dotada de conciencia social. Funciona mejor como drama exótico que como llamado humanitario. (Mario Giacomelli publica sus críticas cada jueves en el periódico La República).

“El laberinto del fauno” en garras de Pablo del Moral

Guillermo del Toro es un buen director cuyo talento abarca igualmente el aspecto visceral y emocional del género. Sus cintas de acción (como "Blade II" y "Hellboy") conjugan buenos momentos de frenético dinamismo con sobrios pasajes de introspección dramática; y sus películas más "serias" (como "Cronos" y "El Espinazo del Diablo") ponen al frente los vaivenes emocionales de los personajes, pero sin descuidar el aspecto sobrenatural que adereza la trama.
Creo que el más notable logro de "El Laberinto del Fauno" es la coexistencia de tres historias paralelas perfectamente entrelazadas y balanceadas en un todo creíble y asimilable. Por un lado tenemos el drama familiar de Ofelia, su madre embarazada y su nuevo cruel padrastro; por otro lado tenemos los horrores de la guerra civil; y finalmente, sirviendo como unión y metáfora, tenemos el fantástico mundo del Fauno. Gracias al bien construido guión de del Toro, la fantasía y la realidad se apoyan mutuamente, dando como resultado un impacto emocional de inusitada fuerza y permanencia.
En lo que respecta a "El Laberinto del Fauno", sólo me queda recomendarla, con la advertencia de que no es una cinta para niños, sino una fábula adulta vista a través de los ojos de la infancia, en los que el destino puede tomar formas muy imaginativas... pero inequívocamente horribles. Pablo del Moral

El laberinto del fauno en las garras de Daniele Trottier

Al abrirse el telón, aparece en primer plano la cara de una niña que uno adivina agónica. Se retrocede en el tiempo y aparece una fecha: 1944. La cámara nos lleva luego a un bosque; al fondo vemos una caravana de autos de militares que se aproxima, y nos ubicamos entonces en los años de la España franquista.

Cinco años después de la guerra civil española… Es la época en que la dictadura franquista se afianza “limpiando” el territorio de los últimos focos republicanos. Este año de 1944 anuncia el fin de un mundo y nos remite a la imagen de la niña herida.

La joven Ofelia, acompaña por su madre embarazada, se va a vivir a la casa cuartel de su padrastro, el capitán Vidal, un militar despiadado, personificado por el excelente Sergi Lopez. En el bosque, Ofelia descubre un laberinto y su extraño morador, el fauno, quien le revela que ella es la princesa de un reino encantado y que deberá cumplir con tres pruebas para alcanzarlo. Este universo fantástico en el cual se refugia la niña, lejos de sublimar la dura realidad, refleja su ambigüedad. En medio de las escaramuzas entre militares y guerrilleros, y el propio desamparo de Ofelia, surge un universo poroso, una sutil transposición a un mundo imaginario de terribles fuerzas no resueltas, con la inquietante figura del fauno.

Este personaje mitológico encarna también la ambigua relación entre la niña y una figura paterna autoritaria: ¿cómo saber si es bueno o malo? ¿puedo confiar en él? ¿me ayuda o me lleva a mi perdición? Mucho se podría discutir sobre los seres fantásticos que enfrenta Ofelia en su recorrido iniciático, pero prefiero detenerme en el malestar que este universo fantástico produce en uno al mezclar lo maravilloso, el horror y la Historia. La osadía del director Guillermo del Toro es el haber creado un “cuento de hadas para adultos” en el cual entrelaza lo fantástico con la Historia. Lleva el género de lo maravilloso/horror al plano de la política, explorando aquí la dolorosa herencia dejada por el facismo en la sociedad española.

Para los que conocen a Guillermo del Toro, recordarán su cinta fantástica y/o horror El espinazo del diablo (2001) que tiene también como telón de fondo la guerra civil española y que curiosamente empieza de la misma forma que El laberinto del fauno: la película se abre sobre las facciones de un niño agonizando en un tosco piso de piedra y en el plano siguiente vemos un avión largando una bomba. El tema del Espinazo eran los fantasmas pero en ambas películas reencontramos los tópicos predilectos del director mexicano: los niños como protagonistas, un denso mundo imaginario que oscila entre lo maravilloso y el horror, y un clima de guerra. Quizás por eso las películas de este director son tan impactantes, pues crean una tensión insostenible al exponer niños al doble universo de la guerra (historia) y del horror (imaginario), ambos igualmente mortíferos y con final trágico.

En el plano formal es una película espléndida. Guillermo del Toro ha tenido el gran mérito de supeditar los efectos especiales al servicio de la temática, y no a la inversa como pasa ahora en muchos producciones cinematográficas. Descubrirán el universo pictural de Goya en el asombroso personaje inspirado de Saturno comiendo a su hijo.

Érick Fallas echa garras a Diamante de Sangre

“Diamante de sangre” desnuda el sistema de maquila y manipulación de las potencias con los países africanos, en este caso el tráfico de diamantes y el país de Sierra Leona. La cinta esta contada con limpieza y las actuaciones están a tono. Sorprende Di Caprio, con un personaje muy adecuado a su modo de ser, pero muy bien interpretado. Djimoun Houndsu vuelve a ser grande, este actor nunca nos defrauda, para muestra están sus trabajos en "Amistad" y "Tierra de sueños". Aunque la cinta transita por el mismo camino de "El jardinero fiel", está muy distante en calidad a esta, pero pone su grano de arena. Bien merece verse.
Aprovecho y recomiendo dos cintas que están en video y no vendrán a nuestros cines "Half Nelson" y "Hollywoodland", ambas estupendas. Es para que vean que no solo porno recomiendo (esto para quienes no entendieron se trataba de un chota, como muchas mas en este blog).

El Laberinto del Fauno - Cesar Delgado

Sin duda alguna estamos ante una de las grandes peliculas de este año y probablemente una gran ganadora en la proxima entrega de los Oscar. El Laberinto del Fauno es sin duda un cuento de hadas para adultos que nos remueve las visceras y nos hace soñar gracias a una deliciosa mezcla de crudeza grafica y sensibilidad fantastica. No es un filme comun y corriente, eso es claro. Con un guiòn maravilloso, que nos adentra en la violenta y confusa España franquista del 1944, una niña Ofelia (espectacular actuacion de la niña Ivana Barquero, ya con Goya y todo incluido) encuentra un escape fantastico a su horrenda realidad en un magico laberinto resguardado por un noble fauno (Si no les dan el Oscar por maquillaje, es un robo), quien dice que ella es la princesa reencarnada de ese reino perdido y que ha sido esperada por muchos años. La niña, para poder regresar a su magico reino debe pasar 3 pruebas antes de la Luna llena mientras somos testigos de la batalla campal entre la resistencia y el ejercito de Franco, comandados por el Capitan Vidal (Excelente actuacion de Sergi Lopez, como nunca).
Con esto de preambulo, me doy a la tarea de citar las grandes virtudes de esta maravilla cinemtografica, quizas las mas personal de Guillermo del Toro (22 minutos de aplausos en Cannes no se dan a cualquiera).
A continuacion algunos detalles que sobresalen del resto:
Actuacion: Sergi Lopez y Ivana Barquero se roban el show definitimente, con un excelente soporte en Maribel Verdu y la retumbante voz del Fauno. Sergi se logra ganar el odio del publico con un personaje frio e inescrupuloso. Ivana le da el toque de inocencia y de ternura al film con un caracter de niña valiente, traviesa e inocente a la vez. Toca mencionar la reminescencia del film "El Resplandor" de Stanley Kubrick, en la escena de la persecusion en el laberinto (con todo y Sergi herido, muy a la Jack Nicholson)
Fotografia: Majestuosa cinematografia de Guillermo Navarro haciendole justicia a los maravillos escenarios. Le da una sombria textura a la ya escalofriante trama. La mezcla de luz fria y caliente, nos recuerda la cinematografia del irani Darius Khondji (Evita, Seven, Etc)
Direccion de Arte: Oscar, por favor. Probablemente los mejores escenarios en muchos años en una pelicula de habla hispana. Dignifica el recurso digital de construccion escenografica en favor de la imaginacion del escritor/director. Regios.
Musica: Una cancion de cuna que es a la vez espeluznante y conmovedora, enriquece la compleja riqueza de tonalidades usada por Javier Navarrete en la musica del Laberinto, impresionante uso de modalidades y tonalidades que arrastran la historia desde su inicio tierno y limpio hasta los incidentales de tortura y horror. Llenisimo de color.
Maquillaje: Oscar seguro para el Laberinto. Por dos lados: 1. Pocas veces habia visto un personaje mitico como el Fauno tan rico a la vista, contrastante en su aspecto y su voz como en sus movimientos, personaje riquisimo. 2. Los cortisimos 15 minutos que duran la escena de la segunda prueba de la niña, la del hombre con los ojos en sus palmas, nos quedan debiendo para disfrutar mas de una grandiosa caracterizacion de este personaje. Lo mas bello desde el Gollum de Lord of the Rings.
La pelicula nos da una nueva alegria y esperanza para el cine magico/fantastico de habla hispana, un logro majestuso de exquisita complejidad y meticulosidad. Que rico ver como la imaginacion no tiene limites, lo cual desafia el decir de muchos que se abanderan bajo el lema: "Ya todo esta inventado".
Recomendada 100%.
Cesar Delgado

Las garras de daniela trottier (Los niños del hombre)

Los niños del hombre

Inglaterra, 2027. Con su sucio paisaje urbano y su cosmopolitismo antiglamoroso donde la anarquía social estallabomba se ha vuelto pan de cada día, me dije que esta excelente película de ‘ciencia ficción’ tenía más de realidad que de ficción por dibujar un futuro en el umbral de nuestra época, como una cruda fotografía de lo que podría ser nuestro mundo.

Y naturalmente me vino a la mente el mundo postapocalíptico de Los 12 monos de Terry Gilliam con su antihéroe mal rasurado y afligido de una goma moral permanente (como también Neo en Matrix). Theo, el protagonista de Los niños del hombre, que vive cansinamente en una sociedad sin alma, inicia una carrera contra el tiempo para salvar a una mujer que encierra la fecundidad perdida del planeta, así como el personaje de Los 12 monos se afana en detener el virus letal liberado por terroristas. Ambas películas exhalan la total desesperanza de sociedades agotadas: mundos altamente contaminados, grandes migraciones de “ilegales” y su persecución, caos social dentro de un superestado policial.

El director mexicano Alfonso Cuarón le da un toque tercermundista enfantizando los aspectos inhumanos de la cacería de inmigrantes: inmensas jaulas, trenes-cárceles, centros de reclusión, perros policiales, maltratos y ejecuciones sumarias. De ahí la ironía de hacer descansar la salvación de toda la humanidad en una inmigrante que además de ser ilegal, es mujer y negra.

El look retro donde se mezcla tecnología ultramoderna con infraestructuras desvencijadas me trae a la memoria Brazil, poderoso intertexto cinematográfico para aquellos que ironizan sobre el “progreso” del hombre. La oficina donde trabaja Theo con sus hileras de computadoras enclenques es sin duda un guiño a los vetustos aparatejos del universo burócrata de Brazil. También el predominio de colores ocres, verduzcos e imágenes borrosas, dentro de una estética de lo “vetusto”, refleja este mundo agónico.

Otro paralelo interesante: la película Todo por amor (It’s all about love) (2003) del cineasta danés Thomas Vinterberg. Una historia de amor en un mundo enfermo donde la gente muere de soledad y cae como moscas en la calle, las escalinatas del metro, etc., bajo la mirada indiferente de los transeuntes que se cuidan de no tropezar con los cuerpos. En Los niños del hombre, vemos a Theo con paso tranquilo, su vaso de café en la mano, saliendo ileso de un negocio que acaba de volar en pedazos. Es solo otra bomba... Si Vinterberg enfoca los trastornos climáticos percibidos con frivolidad por una sociedad suicida, Cuarón insiste en la contaminación ambiental y la exclusión del otro dentro de un estado policial; pero ambos recrean con gran fuerza un futuro exacerbado nos envuelve y deja su marca.

Una palabra más y es sobre el virtuosismo de la cámara de Alfonso Cuarón, especialmente en estos dos planos secuencia: el primero cuando se filma el ataque de un automóvil desde adentro, con efectos hiperrealistas, y el segundo cuando la cámara rastrea al protagonista que va saltando entre los estallidos de un edificio en pleno bombardeo. Espectacular.



9 de febrero 2007

Las garras de William Venegas (Reconstrucción de un amor)

Reconstrucción de un amor es hermosa fábula sobre el amor, sobre el capricho humano de amar por encima de cualquier dificultad, por encima de convenciones y por encima, incluso, del rechazo ajeno, cuando el amor duele.
En relación intrínseca con el argumento, tenemos el aspecto formal: es ejercicio de metalenguaje, porque evidencia el arte mismo de estructurar un relato, con intromisión de un narrador protagonista: “shifter”, o sea, la abierta presencia del narrador en su relato o discurso.
La estructura narrativa es hipnótica, surrealista y onírica. Tiene la entereza de confesar algo al principio y al final: “Es una película, es una reconstrucción, pero aún así duele”. De esta manera, recorre laberintos de emociones humanas, entre juegos de construcción y de deconstrucción. Quienes buscan cine alternativo, aquí está esta cinta. No se la pierdan. Quienes se sienten románticos, igual, no se pierdan este filme. Quienes gustan del metalenguaje y de lo experimental, esta película reta a los inteligentes. Recuerden: amar duele, es flagelo y felicidad a la vez.

Las garras en las peliculas del OSCAR

Estas son las pelìculas nominadas al Oscar.

-Babel
-Pequeña Miss Sunshine
-Infiltrados
-La reina
-Cartas desde Iwo Jima

Críticos preparados para garrear...

Borat en las garras del cine

Ficha técnica:Bórat
EE.UU., 2006.
GÉNERO: Comedia.
DIRECCIÓN: Larry Charles.
ELENCO: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian.
DURACIÓN: 84 minutos.

Las Garras de Érick Fallas destrozan a (Bórat)

Lo que en un inicio parece una película contestataria y políticamente incorrecta en todos los sentidos, se transforma en una serie de situaciones que, con un personaje absurdo, solo pretenden llevar a la risa. Por dar un ejemplo, la película "Bórat" es como "Jackass". Es contradictorio que este filme ("Bórat") esté nominado a mejor guión si carece de una estructura fuerte que lo lleve a otro nivel. La cinta al final se burla de todos y de todo, pero no nos deja un mensaje claro, ni específico.

Las Garras de Jürgen Ureña (Los niños del hombre)

Los niños del hombre es el retrato de un mundo indeseable en el que la guerra, la exclusión social y el desamparo resultan dolorosamente cercanos a nuestra experiencia cotidiana. Es además un “road movie”, una fábula de rasgos opresivos y detectivescos y un filme de ciencia-ficción en el que la amenaza en el que la amenaza extraterrestre, el virus letal o el cambio climático de consecuencias desastrosas han cedido lugar al enigma esencial y sobrecogedor: ¿Por qué hemos perdido la capacidad de dar vida? (…) La propuesta fílmica del cineasta mexicano Alfonso Cuarón es valiente. (…) Es también reclamo cifrado en el título contra la sociedad masculina que ha mutilado la danza de la vida. (Léa más en Áncora del domingo 4 de febrero
http://www.nacion.com)

La garra de Mairena (Miss Sunshine)

Yo no estoy de acuerdo con esta reseña de wílliam venegas sobre Pequeña Miss Sunshine. Ese comentario solo adelanta la trama sin entrar al concepto o fondo de la película. Además, ya la leímos completa en La Nación y los cinéfilos con garra somos un público muy exigente, queremos en este blog/garra un poco de exclusividad. José Mairena.

PEQUEÑA MISS SUNSHINE en las garras del cine

PEQUEÑA MISS SUNSHINE(Little Miss Sunshine)
EE.UU, 2006.GÉNERO: Comedia.DIRECCIÓN: Jonathan Dayton y Valerie Faris.ELENCO: Greg Kinnear, Toni Collette, Alan Arkin.DURACIÓN: 101 minutos.CALIFICACIÓN: 9.

Garra de Wílliam Venegas cae en Miss Sunshine

Pequeña Miss Sunshine (2006): comedia exquisita, irreverente, con buen estilo y excéntrica. El filme es dirigido por la pareja de Jonathan Dayton y Valerie Faris, su primer largometraje.
Pequeña Miss Sunshine se plantea como “cine de carretera” (road-movie), en cuanto que es el viaje de una familia, en una vieja camioneta VW, hacia un reinado infantil en Sunshine, California. Se trata de una estirpe disfuncional y, por aquí, se enderezan críticas sutiles y abiertas contra el concepto de familia en una sociedad capitalista burguesa, pomposa y consumista.
La película se estructura a partir de la conducta de una familia desestructurada y de las irreverencias de sus miembros. Así, la niña que sueña con ser reina de algún concurso de belleza, sin condiciones físicas para ello. Extraordinaria la actuación de Abigail Breslin como Olive.
Luego un papá que busca estabilidad económica con su método contra el fracaso, pero que fracasa vendiéndolo. En este papel tenemos a Greg Kinnear, buen actor. Su pareja es una mamá permisiva, muy bien encarnada por la actriz Toni Collete
El otro hijo es un adolescente fanático del pensamiento del filósofo alemán Friedrich Nietzche, por lo que estudia su libro titulado Así habló Zaratustra. En la camiseta del joven se lee: “Jesús se equivocó”, que se acerca a la frase de Niezche de “Dios ha muerto”, sobre la crisis del pensamiento. Este joven vive en absoluto silencio.
El abuelo es un viejo con actuación inolvidable de Alan Arkin. Al final de sus años, este abuelo ha decidido esnifar drogas e insistir, ante su nieto, en la necesidad de amartelar a cuanta mujer se pueda. Queda un tío homosexual, quien ha intentado suicidarse. Es un tío especialista en la literatura del francés Marcel Proust y de su obra titulada A la busca del tiempo perdido.
Poco sería de estos personajes sin la perfección del guion de Michael Arndt, de sencilla complejidad, inteligente defensa del derecho de cada quien a ser diferente. Se cuestiona a nuestra sociedad tan falsa, gazmoña, superflua, de farándula y de apariencias, donde la vida es un eterno concurso de belleza para casi todos. (Resumen de crítica publicada en La Nación el miércoles 31 de enero).

En Las Garras de Cesar Delgado

Una mezcla de sentimientos me recorrieron al finalizar de ver Babel, sentí la rica sensación que te da cuando estas frente a una obra de arte, ese sentimiento inexplicable que te toca las vísceras y te deja algo vació por el torbellino de emociones que te removieron hasta el ultimo de tus sentidos. Tuve que meterme al cine otra vez para poder ordenar ideas y tratar de intelectualizar la premisa del finado equipo Arriaga/Iñarritu.
De las ultimas tres de Iñarritu, Babel se me presenta como la mas poderosa, la mas mediática (Sí, con todo y Brad Pitt incluido, grandioso papel), la mas universal, las mas digerible, la mas actual. Si bien es cierto se utiliza la misma formula aplicada en las dos ultimas entregas del afamado equipo, es en esta donde la forma no es el fondo de la película. El fondo, mas bien, es la condición humana como tal, con sus injusticias, racismos, incomprensiones culturales, espaciales y lingüísticas.
Acerca de la incomunicación plasmada como premisa móvil sobre los 4 continentes por las que viaja Babel, contiene una carga emotiva y actual sin precedentes. De ahí su éxito. Me parece grandioso y admirable el tratado del tema en Marruecos, donde el personaje de Pitt es el incomprendido no por los lugareños si no por su misma gente que lo abandona y lo juzga (La embajada y, sobre todo, los turistas del autobús). Me parece poco honestos decir que a los mexicanos (por alguien mas en este foro) se les manejan con estereotipos. De ninguna manera. Punto importante de la película es la intolerancia hacia las culturas foráneas. La mexicana busca por todos los medios delegar la responsabilidad de los niños a otros amigos sin ningún éxito, ante tal importancia (cultural, por supuesto, ya todos sabemos la importancia de los actos religiosos para los mexicanos) e impotencia, se decide llevar a los niños a través de la frontera. En muchos cursos de guión de afamados gurís, se habla de llevar a los personajes hasta las ultimas consecuencias hasta volver incoherentes e ilógicas sus acciones para el espectador. De la desesperación se han hecho cosas peores en la vida real. No es estereotipo del todo, es la vida misma.
Con respecto a lo que debió o no debió haber pasado en la película, sucede como en cualquier otra. Si nos pusiéramos a escribir lo que cada uno quisiera que pasara con la película en aquel o este momento determinado, creo que no habría espacio en la Web para dar rienda suelta a la imaginación. Hay que tomar en cuenta que en cada uno de nosotros hay un guionista o un director listo para arrancar al son de un disparo cinematográfico. Lo delicioso de esto es saborear la película como tal, sin ningún afán de querer modificarla. Te gusta o no. Punto final. Esto me lleva al siguiente punto ya discutido en el foro: La de las historias inconclusas.
Me parece que una de las virtudes de Babel es el dejar cabos sueltos, no de masticar, digerir y desechar la trama para el espectador. El cine como tal debe ser un arte de construcción realizador-espectador, debe dejar portillos para que la imaginación de quien lo mire tenga incidencia en el proceso creativo. Me parece de lo más egoísta pretender que la cinta lo haga todo por nosotros. Así se pretende un cine inteligente, de propuesta.
Es una lastima ver la disolvencia de este prospero equipo cinematográfico, pero como bien lo dice Iñarritu, es una separación necesaria para ambos en su evolución creativa. Ya a Arriaga se le ha visto sin Iñarritu, ver: Los tres entierros de Melquiades Estrada. Ganador de Cannes ahí, sin tener Alejandro que ver.
Espero que mi comentario alimente la discusión o aun mejor la reflexión ante esta maravilla del sétimo arte. Cesar Delgado